21 dic. 2012

Entrevista BGD


Beijing Guitar Duo
El virtuosismo al servicio de la música
Fernando Bartolomé para MGE



Desde China, y bajo el paraguas de Manuel Barrueco, profesor y asesor personal, tengo el placer de presentaros al Beijing guitar duo, formado por las guitarristas Meng Su and Yameng Wang. Tocan un variado repertorio que va desde Johannes Sebastian Bach a Tan Dun, como dice el título de su último CD.
Se atreven a todo y no dudan en hacer una versión a dúo de la Chacona de Bach, basándose en la versión que tiempo atrás hizo Busoni de la genial obra. Su portentosa técnica y su excelente musicalidad hacen que cualquier música suene natural en sus manos, y ya están planeando hacer una gira para el año que viene con el propio Manuel Barrueco. La cosa promete.



"El objetivo es simple pero difícil: hacer siempre buena música."
 
“En relación a los conjuntos de guitarras, los hermanos Assad han sido nuestro modelo durante un tiempo largo”
 

¿Cuándo y cómo se formó el dúo?
El Dúo de Guitarra Beijing se formó oficialmente bajo sugerencia Maestro Manuel Barrueco en 2009.

¿Seguís con vuestra carrera en solitario u os dedicáis por entero al dúo?
Siempre hemos querido desarrollar nuestra carrera en ambos sentidos. Seguimos aprendiendo repertorio solista y, como ahora en nuestros conciertos, nos gusta tocar  una pieza a solo cada una, además de las piezas dúo.
 

¿Cuáles son vuestros objetivos? ¿Qué queréis hacer con el dúo?
El objetivo es simple pero difícil: hacer siempre buena música. También nos gustaría ampliar el repertorio de dúo, arreglando, comisionando y, tal vez algún día, componiendo más piezas.



¿Quiénes son vuestros referentes a nivel de pequeños ensembles de guitarras?
Escuchamos un montón de músicos. En la guitarra, los hermanos Assad han sido nuestro modelo durante mucho tiempo, pero también escuchamos cuartetos de cuerda, orquesta y nos inspiramos en ellos en términos de conjunto.

Hablemos del Trío de guitarras con Barrueco. ¿De qué se trata? ¿Qué música y qué compositores? ¿Para cuándo? ¿Habrá grabación?
¡Es un verdadero honor poder jugar con el Maestro Barrueco! Hasta ahora, nuestros programas han incluido obras de Diabelli, Torroba, Piazzolla, y Sergio Assad también ha escrito una pieza para nosotros llamada "The Enchanted Island", que se incluirá en nuestro cd de trío programado para ser lanzado en el verano de 2013.

El proyecto futuro incluirá obras de J.S. Bach, y una pieza del compositor chino Chen Yi.

En vuestro CD Bach to Tan Dun tocáis obras de diversos estilos y épocas. ¿Os sentís más identificadas con algún estilo?
Nos gusta tocar diferentes estilos de música y, de hecho, eso es lo que estamos tratando de llevar al público en los conciertos. Recientemente hemos estado tratando de traer más música de nuestras raíces de China al escenario.

Si pudierais elegir el 100 % de vuestro repertorio sin pensar en compromisos comerciales, público o cualquier otra cosa,  ¿qué música tocaríais?

¡Una gran cantidad de Bach! Pero, francamente, es más o menos lo que estamos haciendo ahora, tocar sólo la música que nos gusta.

Una de las mayores sorpresas de vuestro disco ha sido la Chacona, en versión de Busoni. He de reconocer que es impresionante. ¿Habíais escuchado antes una versión de la Chacona para dúo de guitarras? ¿En qué difiere? ¿En qué gana?

Nos encanta la versión de Busoni tanto como la original. Esta transcripción fue realizada por el guitarrista alemán Ulrich Stracke de la Chacona de “Bach-Busoni " y funciona muy bien para dos guitarras, tanto técnica como musicalmente. Busoni hizo esta obra más romántica añadiendo armonías, reescribiendo algunos pasajes, y añadiendo más dramatismo con la incorporación de mayor contraste de dinámicas. Es diferente de la versión original, pero nos gustan las dos.

Organización educativa. ¿Qué tiene que estudiar un guitarrista en China para hacer una carrera? ¿Hay enseñanza específica en este sentido? ¿Tiene relevancia en el programa educativo o se focaliza más en la guitarra solista?
Ahora, en China, la guitarra se ha convertido en un instrumento cada vez más y más popular. Hay departamentos de guitarra en los cinco principales conservatorios de todo el país. Los estudiantes van a los conservatorios a obtener un título musical, al igual que en el sistema educativo occidental. En el conservatorio, los estudiantes hacen un montón de cursos musicales, así como estudios generales. Por lo que sabemos, hasta el momento no ha habido un programa de grado de música de cámara para guitarra, pero definitivamente hay oferta de cursos de música de cámara para los estudiantes.

¿Cómo es vuestra organización para ensayar?
Por lo general, aprendemos nuestras partes primero, y después nos juntamos para ensayar. Dependiendo de las circunstancias, nos reunimos 2 veces a la semana, un par de horas cada vez. Por supuesto, lo primero que hacemos es comprobar que todo va unido en la música, y luego las dos debatimos ideas musicales que cada una tiene. Y a medida que los ensayos avanzan, las ideas cambian con bastante frecuencia, y ¡es por eso que a veces tenemos que luchar por nuestras propias ideas!


¿Qué papel puede tener un maestro, en vuestro caso Manuel Barrueco, en vuestro desarrollo como dúo?
El Maestro Barrueco ha sido de gran ayuda en nuestra carrera. Es tan maravilloso tener un mentor como él, que puede señalar las cosas que puedes hacer mejor, darte la seguridad de que estás en el camino correcto, y darte una orientación general para tu carrera.

Pregunta obligada. ¿Qué aporta la música de cámara en la formación de un músico?
El tocar con otras personas es muy importante para los músicos. Aprendes a escuchar, que es muy, muy importante porque muchas veces cuando tocamos solos, tendemos a sumergirnos demasiado en nosotros mismos, en lugar escapar de nuestros propios sentimientos y escuchar la música objetivamente como la audiencia. En la música de cámara, tienes que aprender a escuchar y cooperar con las ideas de otros, y ese es también el encanto de ella. Y esto ayuda a convertirse en un solista mejor; un mejor músico.

¿Qué proyectos de futuro tenéis pensado hacer?
En estos momentos estamos trabajando en el repertorio para nuestro próximo CD.  Ahora ya tenemos varias ideas diferentes de cómo será.


“A medida que los ensayos avanzan, las ideas cambian con bastante frecuencia, y ¡es por eso que a veces tenemos que luchar por nuestras propias ideas!”

“El tocar con otras personas es muy importante para los músicos. Aprendes a escuchar, que es muy, muy importante porque muchas veces cuando tocamos solos, tendemos a sumergirnos demasiado en nosotros mismos”
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29 nov. 2012

Joseph Lilore interview

Joseph Lilore
Six dialogues with guitar and other instruments
Fernando Bartolomé for MGE

Joseph Lilore is the author of over 30 books for publishers such as Warner Bros. and United Artists, as well as working as a musician, composer, and arranger for a wide variety of artists and projects.

The books he wrote include teaching methods for guitar, bass, brass and woodwinds dealing with technique, composition, and improvising.

In this interview we talk about composition, arrangements, ensembles and other interesting things relate with his two last books: “Six dialogues with guitar and other instruments” and "Guitar Chords for the 21st Century"


Why do you have devoted to the composition? Who or what influenced you most?
Composing has always been my main interest as well as the guitar.  As an avid student of music history and compositional process I've endeavored to compose in every genre, from the 14th century to the present.  It was a paper I wrote on the various compositional techniques employed by Beethoven in his "Symphony #7" that led me to understand how I can weave my works together into a cohesive unit.  These techniques are:  precognition, misdirection, expansion and contraction, elemental overlap as well as melodic and rhythmic motivic developments.  This paper, a result of years of work, is available for free on my website josephlilore.com under "Essays".  

“Six dialogues with guitar and other instruments”. Can you talk us about how they came into reality? Do you compose with instrumentation in mind?
The six Dialogues are the result of my desire to compose works for the guitar and various instrumental ensembles where all the players have equal voices throughout - a true dialogue.  I use more than one guitar (2, 3, or 4) in order to use bi-tonal chord groupings as well as certain voicings and movement.

I start with a certain ensemble in mind and write toward that goal.  My main influence in orchestrating this music is Maurice Ravel.   I play each part after I compose to check my work.  I do my own proofreading and editing.


The difficulty of the pieces is fairly high academic level and the preparation of the works can be tricky given the precision required in writing, changes of tempo, measures, and adjustment difficulties. Who are the recipients of these works?
I wrote with the idea of adding to the repertory of ensemble music for professionals, enthusiasts of all levels, and college music majors wanting to collaborate with friends and colleagues in performance, recitals, jury exams or just getting together for enjoyment.

Do you have plans for make a recording?
I personally do not intend to put out a recording of the Dialogues.  They can be heard on www.josephlilore.com  as I recorded them - using a combination of computer programs:  Sibelius, Garritan Orchestras and Pro Tools.  It is my hope that some or all of the pieces will be recorded by professional or college level ensembles.  The process took many months of work. It would be rewarding to hear them played by a live group.  They can all be licensed for no cost just by contacting me.  The Scores are available on www.amazon.com.

What does the guitar contribute in chamber groups?
The use of the guitar, and in this case multiple guitars, gives a limitless array of colors from which to choose.  As Berlioz said, the guitar is a "miniature orchestra" providing us with an orchestra within an orchestra.

Can you explain the odds of actually writing for guitar in combination with other instruments?
Balance and equality are of prime concern when combining the guitar with mixed instrumental groupings.  I want my work to showcase the potential and individuality of each member while at the same time fulfilling their role in the total work.  Counterpoint drives my work and creates a platform on which these Dialogues are constructed.

Can you recommend us interesting music for guitar ensemble?
I am a huge fan of the Romero family and the Los Angeles Guitar Quartet.  I find their approach and virtuosity truly compelling.

I know you've published a book with hundreds of chords. What's different with other dictionaries on the market?
"Guitar Chords for the 21st Century" is a dictionary of alternative chords which I based on the way modern composers moved beyond traditional chords.  In this search for new tonal colors, not only have the chords been altered, but the manner in which they move and relate to each other has also been altered and expanded.  Of these 20th Century chord structures, I've selected and fingered the most practical and feasible for the guitar.  There are 308 chord types, each in six inversions, creating a total of 1, 848 C chords.  The root is circled so as they move diatonically up the fingerboard a total of 22, 176 chords are created.

This is a dictionary of "colors" to be used in new compositions or mixed with traditional chords.  They are labeled by the way they are constructed.  For example, CPP5 = perfect, perfect 5th = C, G, D.   A plus sign (+) means I have added a note or notes into the basic chords for added "color".  I recommend everyone insert their own added notes in for countless original chords.  Ex. C PP5+ = CGD+F#.  I think everyone will find some useful information in this book.

For anyone interested in seeing what I mean, portions of this book are visible by going to my website, josephlilore.com under "Books" and clicking on Preview the book on Google Books.

Future projects…
Currently I'm working on a group of compositions for violin and guitar for one of my previous students who is in a Classical Guitar Master's program.  I am also composing music for an independent film.

Links
 

13 nov. 2012

David Russell. Entrevista

Entrevista a David Russell
El esplendor de la guitarra
Por Fernando Bartolomé Zofío. Julio 2012

Otro de los más grandes intérpretes de nuestro tiempo nos visita. David Russell es un músico que se caracteriza por su gusto musical, por su inmaculada interpretación, por su atención al detalle y por su visión como músico global.
Andrés Segovia, en un alarde de generosidad teniendo en cuenta como se las gastaba,  escribió después de escucharlo en Londres: "Mis felicitaciones por tu musicalidad y tu técnica guitarrística”.

Como solista, ya conocemos su laureada carrera llena de primeros premios en los mejores certámenes internacionales y sus innumerables grabaciones de música de todas las épocas, entre las que se encuentran ya algunas que son referencia indispensable en el mundo de la música como pueden ser la integral de Tárrega, la integral de Torroba o su “Aire latino”, por el que fue galardonado con un grammy.

Pero es que además Russell, quizás no tanto como le hubiera gustado, ha trabajado su aspecto camerístico y orquestal de forma considerable y nos habla de su experiencia.

En una pasada entrevista que tuve con él hace unos años pude comprobar que su capacidad para escuchar y su capacidad de concentración en el objetivo es una de las razones por las que es un gran músico.
Hace mejor a la guitarra y la dignifica. Es el esplendor de la guitarra


Eres un guitarrista mundialmente conocido por tu faceta como guitarrista solista pero en tu carrera ha habido trabajos en colaboración con otros músicos, Raphaëlla Smith, Robert Brightmore o Dennis Milne, y se ha podido comprobar un gran interés por la música de cámara por tu parte. ¿Puedes hablarnos de tus trabajos como guitarrista de cámara con estos músicos? ¿Has trabajado en otros?
Durante la época que viví en Londres, toqué bastante música de cámara con un grupo heterogéneo, fundamentalmente organizado por Dennis Milne. Varios compositores escribieron obras para combinaciones poco usuales de instrumentos y con frecuencia había guitarra. Al vivir en una ciudad grande, es mucho más fácil ensayar con músicos y preparar programas interesantes. También tuve un dúo durante mucho tiempo con una cellista, Andrea Hess. Ahora toco mucha menos música de cámara, en parte porque viajo muchos meses del año y se hace muy difícil preparar programas. En los últimos años toqué con el violinista Daniel Hope y también con un flautista, pero siempre fueron cosas esporádicas.

¿Qué diferencias existen entre tocar música a solo y tocar música en grupo? Con esto me refiero, aparte de las diferencias del contenido técnico y musical, al aspecto actitudinal. ¿Cómo afronta el trabajo a solo y cómo lo afronta en colaboración con otros músicos?
Cuando se toca con otro músico, la mayoría de las veces la guitarra acompaña al otro instrumento o al cantante. Esto hace que uno tenga que adaptarse al fraseo de la otra persona. Hay que aprender a ser maleable, mientras que como solista siento que uno debe tener sus propias ideas muy claras para transmitirlas al público. Yo me considero un solista que de vez en cuando colabora con otros músicos.

¿Cuáles son las características que a tu juicio determinan las buenas condiciones para que un conjunto aproveche al máximo sus condiciones y resulte atractivo y sugerente?
El repertorio es fundamental. La combinación de las personalidades también es importante, ya que garantiza la continuidad del grupo y la cohesión.

Los guitarristas clásicos estamos acostumbrados a tocar a solo y durante la carrera musical, corrígeme si me equivoco, pocas instituciones apuestan por reforzar el aspecto camerístico con la guitarra. Yo tengo claro que el aspecto grupal de la música es un fin en sí mismo con el que se disfruta y se hace disfrutar de una forma especial e incomparable. Pero además de esto, hay un aspecto pedagógico que influye directamente en nuestra visión de la música y en nuestra técnica guitarrística. ¿Qué crees que aportan los ensembles al solista de guitarra?
Cada pedagogo tendrá sus ideas sobre la cantidad de música camerística necesaria para el desarrollo del alumno. Es posible que algunos alumnos tengan mucho más interés en la música de cámara, mientras que otros se sentirán más solistas. En nuestra profesión son necesarios los dos mundos y si uno no sabe tocar en grupo o acompañar con habilidad, no es un músico completo.

¿Qué podemos aprender tocando con músicos no guitarristas?
Se aprende de sus habilidades de fraseo y musicalidad. También nos damos cuenta de la enorme importancia de saber leer a primera vista, que en nuestro instrumento en general suele ser un punto débil, mientras que todos los músicos de orquesta desarrollan esta habilidad a un nivel muy alto.

Dada tu trayectoria discográfica, está claro que tienes un gran interés por la música del Barroco y has hecho un extenso trabajo de arreglos. Sin ir más lejos acabas de grabar Grandeur of the Baroque con música de Bach, Couperin, Weiss y Haendel. En el barroco era muy habitual la interpretación en pequeños grupos en los que se incluían instrumentos de cuerda pulsada. ¿Te has planteado la posibilidad de trabajar en un proyecto de ensembles con otros instrumentos en el que se recree la música de ese tiempo pero con la guitarra actual? Si quieres, de otra manera,  si no tuvieras que atender los compromisos profesionales con diferentes partes, ¿llevarías a cabo un ensemble barroco?

Mi interés por la música barroca viene desde mis comienzos con la guitarra. Es un período de la historia de la música que me satisface enormemente en todos los sentidos.
Si no estuviese viajando tantos meses al año, quizás podría formar parte de algún ensemble, pero con la vida que llevo, no puedo ni planteármelo.

Tuve la suerte de poder entrevistarte hace 10 años en Madrid, tras un soberbio concierto en el Auditorio de Nacional de Madrid y aprendí muchas cosas de ti porque dices cosas muy interesantes. Una de las cosas que más me llamó la atención fue tu capacidad para escuchar atentamente y tu capacidad de concentración para no desviarte de con temas secundarios. Siempre centrado en lo que se estaba tratando. ¿Estás de acuerdo en que la capacidad de escuchar atentamente es una de las cualidades más importantes del músico?
Sí, por supuesto, aunque creo que la capacidad de concentración es la que agudiza esta habilidad. Enfoque y concentración son fundamentales para poder dedicarse a la interpretación delante del público

Las grabaciones son un método invaluable pero hay músicos que las evitan por temor a escuchar demasiados errores, por temor a no gustarle lo que van a oír. ¿Eres partidario de las grabaciones? Hay algunos músicos que dicen evitarlas por el temor a hacer la atención “vaga” ¿Cómo se puede trabajar la audición personal de otras maneras?
Si te refieres a grabar CDs, yo diría que es un mundo muy diferente a tocar en público y yo lo recomendaría a todo el mundo, porque se aprende mucho y se es consciente de las propias habilidades y deficiencias. Al hacer un CD no hay ninguna excusa si la interpretación es débil y uno se debería exigir siempre su máximo potencial.

Si te refieres a grabarse para estudio, yo lo considero un sistema muy bueno para poder escuchar desde fuera nuestra interpretación. El vídeo agudiza nuestra atención y nos exige tocar totalmente concentrados en la obra musical.



Cuando David Russell está tocando, especialmente con otros músicos, ¿cuál es la actitud que toma? ¿Está pendiente de su papel? ¿Está pendiente del conjunto? ¿Se concentra en la técnica? ¿Se deja llevar y disfruta?
Si es un evento profesional, me preparo a conciencia para después poder estar atento a lo que se espera del grupo. Para poder disfrutar, uno se tiene que liberar de los problemas técnicos y musicales, por eso es necesario tener una preparación óptima (estudio previo).

Cuando el resultado no depende solo de uno mismo, ¿se puede dejar llevar con la música?

La mayoría de las ocasiones en que he hecho música de cámara han sido dúos, con lo cual la aportación personal es casi tan intensa como cuando uno toca solo. Es fundamental comentar las propias ideas musicales y en estos casos creo que la combinación de las dos personalidades es quizás más importante que cuando uno es parte de un grupo más numeroso.

Acabo de terminar un libro didáctico con música para cuartetos de guitarra “contemporánea”. Lo entrecomillo porque no se trata solo de música compleja y cerebral de la vanguardia, aunque hay algún acercamiento, sino de música de nuestros días que escuchan los chicos de hoy, como rock, jazz, new age… ¿Por qué hay tan poca gente que toque música contemporánea? ¿Es posible que la aproximación didáctica no sea la adecuada? ¿Es cuestión de falta de material adecuado para un chico de 10 o 12 años o es una cuestión de programaciones académicas inadecuadas?

Yo no puedo opinar sobre esto, porque desconozco las programaciones didácticas del sistema educativo español.

Para finalizar, ¿cuáles son tus actuales proyectos y en qué te vas a centrar en próximas fechas?

Muy pronto tendré vacaciones… Mi mujer (María Jesús) y yo vamos a hacer un viaje a la India para hacer allí trabajo humanitario. Es un cambio radical de actividad y siento que aporta mucho a nuestra vida y la enriquece.

 

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1 nov. 2012

Karmon Interview

Michael Karmon
Imaginación y equilibrio en la creación
Fernando Bartolomé Zofío. MGE. 2012                                                                                        


  English
Hoy traemos a MGE la figura de un destacado compositor americano, de origen israelí, que trata de expresar su arte a través de la guitarra clásica, que está presente en toda su música reciente. Podemos encontrar música de alta calidad para diferentes, y sugerentes, grupos de cámara con guitarra. Ha escrito para grandes intérpretes, entre ellos Martha Masters, Azabagic Denis, Hagedorn Joe, Michael Partington, Bolshoy Daniel, Duo Newman y Oltman guitarra, y Duo46. Ha ganado varios premios y becas en los últimos años, y su música se interpreta en todo el mundo.
Nos habla de su música, del proceso de composición, del empaste de la guitarra con otros instrumentos y de mucho más.


¿Cuáles son tus principales influencias en tus composiciones?

La originalidad, la imaginación, la artesanía, y la audacia me inspiran, independientemente de la forma de arte. En cuanto a los compositores se refiere, mis favoritas son Bach, Ravel y Britten. Entre los compositores que viven admiro a John Adams, Steve Reich, y Thomas Ades. De los compositores de guitarra me suelen gustar Takemitsu, Sergio Assad, Dusan Bogdanovic, y hay unos pocos compositores más jóvenes haciendo cosas interesantes también.

Escucho con atención tu composición "Fret vs. fretless" para dos guitarras y cuarteto de cuerdas y la relación entre este tipo de instrumentos es muy equilibrada. Yo creo que no es una nada fácil de escribir. ¿Cómo se obtiene este equilibrio?

El equilibrio es el principal desafío cada vez que una guitarra está involucrada en un grupo mixto, y pienso en eso todo el tiempo cuando compongo. Incluso una flauta puede sobreponerse a una guitarra; y un violonchelo puede fácilmente dominarla. Por lo general, mi solución es escribir una parte completa para la guitarra, pero marcar de nuevo la textura del otro instrumento (s) un poco. Algunos ensembles no gustan de ello porque sienten que el nivel de dificultad de las partes no es el mismo. Pero esta es la única forma que conozco para hacer que la guitarra suene como si fuera una parte importante del conjunto en lugar de una clase de clavicémbalo en el fondo.






¿Puede decirnos cómo compones? ¿Cómo es el proceso para ti? ¿Alguna rutina?

Trato de mantener un horario regular y escribir  de 2 a 4 horas casi todos los días. (Hacia el final de una pieza trabajo más horas.) Para mí, la música ya está ahí, y sólo hay que desenterrarla, limpiarla, y poner juntas las secciones en el orden correcto. (Por supuesto, este proceso puede llevar un tiempo, y a menudo escarbo en el lugar equivocado al principio.) Yo trabajo en una sola pieza a la vez, pero me inclino a trabajar simultáneamente en varias secciones dentro de esa pieza. Esto termina siendo un poco más eficiente e interesante.

¿Escribes con guitarra en mano? ¿Con piano? ¿Sobre el papel?

Tengo un piano y una guitarra disponible cuando compongo. Tiendo a escribir las primeras ideas en papel para luego transferir la música a Finale para el desarrollo. Yo diría que la mitad de mi tiempo lo paso sin ningún instrumento de ningún tipo, simplemente pensando en la música y repasando en mi mente.



Has escrito obras para varios intérpretes y ensembles, como el Cavatina Duo. En el proceso de composición, ¿hay alguna relación entre vosotros? ¿Haces un trabajo de revisión? ¿Tienes alguna anécdota con Denis Azabagic?

Cada vez que trabajo con un intérprete o conjunto trato de escribir música lo mejor que puedo para desarrollar al máximo sus puntos fuertes y personalidades. En las primeras etapas de composición escucho tanto de su interpretación como puedo, y eso me inspira a escribir cierto tipo de pieza. Trabajar con Denis Azabagic fue fenomenal. Es como una roca. En realidad él no cuestionó lo que escribí, y yo tampoco cuestiono la forma en que la interpretó.

¿Cuando está acabada una obra? ¿Puede un intérprete hacer reconsiderarte a hacer algunos cambios o adiciones en tus composiciones?

Sí, por supuesto, un intérprete que encarga una pieza puede solicitar cambios y añadidos, pero esto casi nunca sucede. (Solo hubo un solo caso en el que un intérprete quería amplias revisiones sobre lo que escribí, pero ni siquiera así le gustó la pieza.) A veces hay pequeñas cosas, que como un pasaje que podría ser demasiado difícil o demasiado denso, o demasiado ligero, pero esto generalmente se fija muy fácilmente con sólo unas pocas notas.

Creo que no debería hacer esta afirmación, pero a veces me ha pasado que cuando una obra está acabada y la he escuchado un par de veces me parece que la música puede tener varios cambios que van a mejorar los resultados. A veces añado estos cambios. ¿Te suena familiar esto?

Yo sé lo que quieres decir, pero esto realmente no me sucede muy a menudo. En el momento en que he terminado una pieza la he tocado en el piano, la guitarra, y en mi mente muchas, muchas veces, y es mi mayor esfuerzo. Esto no significa que la música sea maravillosa, y ciertamente no es perfecta, pero no soy capaz de hacerlo sustancialmente mejor.
Por suerte, la guitarra es un instrumento presente en muchas composiciones  de conjuntos contemporáneos. ¿Tiene preferencia por una combinación específica de guitarra en ensembles?

Siento que la guitarra es mejor en situaciones de dúo y trío. Puede ser muy agradable en conjuntos más grandes también, pero actúa más como para dar un color en lugar de ser un instrumento en igualdad con el resto. Me gustaría pensar que un trío de guitarra, flauta y viola sería casi perfecto. Te dan un rango muy bonito de color, tono y textura.

¿Cómo puedes decir a un estudiante, estudiante de guitarra en concreto, la importancia de tocar con regularidad en ensembles? ¿Cuáles son los beneficios que podría tener para estudiante en la música y en el aprendizaje general?

Realmente no se puede ser músico maduro hasta que toque en algún tipo de situación de conjunto. Tú mismo sabes mucho acerca de cómo la música fluye al tocar con otras personas. Y uno aprende a escuchar de forma diferente, lo que realmente puede mejorar su interpretación en solitario.


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30 oct. 2012

La planificación del ensayo


Ensayos productivos II:
Fernando Bartolomé Zofío

 

Está de moda la creatividad.
Está de moda la improvisación. ¡Es muy moderno!

Mucha gente encontrará aburrido e innecesario planear un ensayo. ¡Al fin y al cabo somos músicos!

Sí, somos músicos pero también somos personas y vivimos en un mundo muy ocupado y con poco tiempo. Hay que estudiar, trabajar, jugar a la play… De modo que si queremos aprovechar nuestro tiempo hay que poner un poco de orden.

26 oct. 2012

Entrevista Barrueco III

Entrevista a Manuel Barrueco
Fernando Bartolomé Zofío. MGE. Julio 2012 Córdoba


 
Con Plácido Domingo tocaste el Concierto de Aranjuez y éste dijo sobre vuestra colaboración: “Las notas están ahí, somos músicos y podemos leerlas perfectamente, pero en la interpretación llegamos a un entendimiento mutuo que lo hizo fantástico”. ¿Qué lenguaje hablabais los dos?
Me cuesta un poco hablar de esto porque siento que indirectamente me estoy dando un halago a mí mismo, y esa no es la intención. Este hombre es un gran músico y yo creo que en las cosas que hicimos encontramos una afinidad musical. Lo que pasa es que puede parecer un atrevimiento. Mejor, quizás puedo decir que yo me identifiqué o comprendí aquello que él hacía. Es cierto que si lo dice él también fue del otro lado.

Hablábamos antes de tener una conversación. Cuando tienes una conversación con una persona y hay un “click” y hay entendimiento y va para adelante o, por el contrario, piensas “¿Qué está diciendo? No entiendo”; “¿Cómo puede pensar esto?”.Y ese tipo de cosas. Y con Plácido era así. Era obvio todo lo que me decía. No había que hablar nada.

Hay una expresión que me gusta mucho y que me gusta usar a veces. No creo en ella, pero es bonita. “Si tienes que explicarlo es porque no está funcionando”. Es decir, si yo toco una cosa y tengo que explicarte por qué tiene que gustarte es que no está funcionando.

Aquí decimos que si tienes que explicar la gracia de un chiste pierde la gracia. No hay entendimiento.
Eso es. Lo que pasa es que en el terreno de la música la frase no es justa tampoco porque a veces una explicación sí puede ayudar mucho. Especialmente con cosas más modernas.

Con Plácido, cuando dirigía la orquesta era como que le dirigía su forma de cantar. Y esto se escucha en la grabación. Se ve que es él.

También específicamente con la música española tenía que ver [esta afinidad]. Yo he escuchado mucha música española, en Cuba también, y mucho de guitarra española, al igual que él. Y así todo estaba claro para los dos
Hay un momento, cuando grabamos las canciones [en el monográfico grabado con la música de Rodrigo] en un estudio de grabación que se llama Hit factory, y allí estábamos sentados uno enfrente del otro. Imagínate. Eran obras que yo no había tocado antes con nadie ni tampoco eran conocidas. Entonces yo leía una vez, dos veces, y veía como poco a poco esas notas empezaban a coger vida. Era dejar de hacer notas solo y empezar a hacer expresión. Fue mágico. Y hubo un momento en el que había un rubato y le dije : “Si cuando lo cantas lo mueves yo te puedo seguir”. Lo hizo y salió enseguida.

La verdad es que fue una experiencia que nunca pensé que iba a tener en mi vida. Trabajar con una persona así fue muy bonito.

[Manuel se queda parado pensando y me mira echándose a reír]. “Te voy a contar una cosa” me dice con tono enigmático.

La grabación se iba a hacer con otro director. Un director austriaco. Entonces recibí una llamada diciéndome que no iba a poder hacer la grabación este señor pero que tenían una alternativa: Plácido Domingo. Me dieron tiempo para pensarlo (¿Pero qué coño hay que pensar? Me dije yo). En el acto dije que sí. Creo que no podría haber mejor persona para hacerlo. También en parte por el personaje, la personalidad. Todo eso junto.

Quizás no hubiera sido igual con el otro director porque no la sentiría igual. Y a lo mejor eso fue lo que pasó. Que había una forma similar de sentir esa música.

Tú trabajas en el Conservatorio de Peabody y en alguna ocasión has dicho que su departamento de guitarra es uno de los mejores del mundo. En lo que se refiere a los ensembles de guitarra. ¿Tiene algún programa específico para ello o está más enfocado al instrumento solo?
Lo que era el departamento ahora se enfoca más por estudios. Y te voy a hablar del mío con mis alumnos.

Photo: Stephen Spartana
En la actualidad tengo algunos alumnos que son increíbles. Por ejemplo tengo a dos alumnas que han formado un dúo, BeijingGuitar Dúo y trabajamos ese aspecto. Incluso a veces trabajamos a trío. Para mí fue una cosa lógica. Vi que estas dos chicas tenían que tocar juntas. Entonces el tema de la música de cámara lo hago yo con ellos. Es una parte importante. Incluso lo uno con lo otro se complementan. Por ejemplo, a veces tratar de explicar a un guitarrista la importancia del ritmo es imposible hasta que lo pones a tocar en un grupo. Entonces por fin se dan cuenta de la importancia que tiene en la música.

También tuve un cuarteto y pudieron tocar con la orquesta de Baltimore el último movimiento del Madrigal (Rodrigo), y quiero hacer más pero el tiempo es el que es. Pero con ellas está claro que ese es su futuro.

Mi experiencia en la carrera fue que la música de cámara estaba bien para un ratito a la semana pero lo importante era el apartado de solista. O al menos esa es la impresión que tengo. Conforme he ido adquiriendo más experiencia como profesor he ido viendo que la música de cámara es una cosa que funciona perfecto. Veo que tiene tantas cosas buenas, ya no como complemento sino en la formación musical y en el aspecto educativo en general que pienso que la música en grupo es fundamental. Incluso desde que prácticamente no saben ni tocar.
Estoy de acuerdo

Por desarrollar el volumen, por escuchar, por afinación, por respetar al que está al lado… Muchas veces cuando estás con la partitura a solo estás a lo tuyo y ya. Pero si ya tienes que estar atento a lo que hace el solista, a su fraseo, que te obliga a estar atento a muchas cosas.
Esa es la música. Es el enfoque de la música. El común denominador es la música. Te saca de ti.
Te ayuda a disfrutar. Tocar a solo requiere una responsabilidad que a veces parece que te impide disfrutar.

La guitarra es un instrumento muy difícil como solista, y una guitarra, por ejemplo, en dúo, es mucho más natural que una guitarra sola. Musicalmente se puede hacer mucho más. No solo en el número de notas, que al final no es lo más importante, sino en la parte musical.

Si uno está tocando una obra de melodía con acompañamiento a solo, habrá momentos que no podrá poner un vibrato que quiere porque la mano está comprometida con otra cosa que tiene que hacer. Si la obra es en dúo, uno puede hacer lo que le dé la gana, siempre que la obra esté bien escrita. Y con el acompañamiento también. Cosas como la articulación. Las limitaciones físicas hacen que realizar bien la articulación tocando a solo sea muy difícil.

Parece que uno puede estar más centrado en la música.
Y es que uno puede estarlo más. Quizás en los detalles de la música.

¿Se entiende mejor así?
Bueno, es más perfecto. De eso no hay duda. Aquí es verdad que estamos generalizando. Podrá haber excepciones. Recuerdos de la Alhambra, quizás no sería tan fácil distribuir bajos por un lado y el trémolo por otro.

Una ventaja del solista es que puede hacer lo que le dé la gana, pensando en la parte positiva de ello, y que tiene mucho control de lo que está pasando. Cuando uno está en un ensemble hay limitaciones en este sentido. Hay que tener una disciplina y tener mucho cuidado con lo que uno hace. Hay que cuidar de hacer las cosas como se ensayaron, cuando se toca en grupo.

¿Qué elementos fundamentales crees que debe reunir un ensemble? ¿Qué características son los más importantes para que funcione bien?
Tiene que haber una comprensión. Si yo te estoy acompañando y cuando yo te oigo tocar o cantar la melodía comprendo lo que haces me es más fácil acompañarte que si no entiendo lo que estás haciendo. Si no lo siento no puedo. Entonces en un grupo se tiene que dar esta comprensión, pero no solo explicándolo sino sintiéndolo también. Hay que sentirlo igual, más o menos.

Pero también hay ciertos músicos que son más flexibles que otros. Hay unos que son más capaces de entender diversas maneras de hacer algo y otros que solo pueden verlo de una forma.

Quizás entra aquí el factor tiempo. No es lo mismo unos músicos que se juntan para una actuación puntual, con el tiempo justo, que otros, como es el caso de los Assad, que son un dúo establecido y llevan tocando toda la vida juntos. ¿Cuántos ensayos puedes tener para una grabación de un dúo o, por ejemplo, para el proyecto con el cuarteto Latinoamericano?
Sí, pero ahí la cosa es más fácil. Uno de los problemas más difíciles con el ensemble de guitarras es la cuestión del ataque, que se supone debe estar junto. Si una guitarra y un violín no están exactamente juntos no se va a notar tanto, salvo que la guitarra toque primero, que entonces se nota mucho. Con dos guitarras la coordinación precisa es fundamental y es una de las cosas más difíciles, en mi opinión. Con guitarra o instrumentos con este tipo de ataque, como el piano.

También he hecho dúos con arpa y el problema es similar.

¿Qué tocaste con arpa? No es bastante habitual.
Tenía un amigo que tenía un dúo para esta formación y tenía muchos arreglos. Entre ellos el arreglo del Amor brujo. También hicimos L’encouragement de Sor y sonaba muy bonito.

Por cierto vi un video de David Russell contigo tocando esta obra de Sor con algunos años de menos y la barba un poco más negra...
Si pero eso es el tinte…

Diferencias entre tocar cámara o tocar con orquesta.
En general lo que se puede decir es que uno debe ser consciente de cuándo es el líder y cuándo uno está acompañando o es parte del ensemble. Uno tiene que tener eso claro. Cuando uno es parte de todo ese engranaje debe tomarlo así y convertirse en parte del grupo; cuando uno es líder tiene que llevar la melodía o lo que sea y tiene que ejercer ese liderazgo. No se puede ser tímido.

Es más democrática la cámara.
Foto Festival de Córdoba
Eso depende ya de cómo se escriba la obra. Hay obras de cámara con un solista claro. Pero hay que reconocer esto, adaptarse, entrar en cada momento. Pero en realidad es una conversación y hay que saber cómo llevarla, cuándo destacar y cuando no.

Es muy importante ser muy claro en lo que uno haces. Si tú eres un músico muy claro en lo que haces, si es una conversación muy clara, entonces es fácil para los otros músicos seguirte. Si no es clara entonces les va a ser muy difícil. Y yo trato de ser muy claro en lo que hago porque las cosas salen mucho más rápido y se hace mejor.
Hubo una vez al tocar el Aranjuez, sin ensayo, no recuerdo el problema que hubo, uno tiene que saber en ese momento lo que uno puede esperar y lo que no, cómo seguirlo a uno… Por ejemplo, la última escala del tercer movimiento. Uno no puede hacer lo que le dé la gana y esperar que el director le siga a uno, y que salga lo que se le ocurra en ese momento. Uno tiene que ser consciente de lo que puede esperar de los otros músicos. Has de ser muy claro

El ser claro es una cosa positiva. Porque si tienes más tiempo para ensayar se puede dedicar para otros detalles, en lugar de atender a problemas con el tiempo, el fraseo, etc. Y el saber cómo seguir a los otros es fundamental porque da la opción de hacer más.
Lo de poderlo hacer rápido puede ser también una cosa económica también. Cuando uno ensaya con orquesta, por ejemplo, eso cuesta dinero. Tienes que hacerlo rápido.

[Risas pensando en una anécdota] Yo tengo un alumno que es muy idealista y tiene una forma muy personal de ver las cosas. Iba a tocar el Aranjuez, y yo creo que él pensaba que el director iba a estarse tres horas en un cierto tenuto o en detalles así. Cuando empezó el ensayo, más o menos, el director le vino a decir: “Toca la obra y nos vamos. Tira para adelante”. Pero es que ese es el oficio también. Cuando una orquesta toca, ellos hacen lo mejor que pueden con una cierta cantidad de ensayos.
Creo que era Bernstein quien decía que para hacer grandes se necesitaban dos cosas: un plan y no demasiado tiempo.

Es la realidad. A la orquesta le gustaría tener un mes para cada concierto pero eso no va a pasar. Aunque en realidad, pienso que no van a querer un mes porque hay un punto en el cual se comienza a perder un poco de interés.

Normalmente, en la actualidad, si uno va a tocar un concierto, aunque sea un concierto nuevo, no es nada extraño tener un ensayo, el ensayo general y tocarlo. Si es nuevo el concierto quizás haya un ensayo más pero nunca más que eso.
Los músicos están entrenados para eso. Ellos saben que comienzan los ensayos y que cuatro días después van a ejecutar la obra en público. Y cuando se preparan eso es lo que tienen en mente. Es un trabajo de mucho estrés. Pero es lo que hay...



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